Japon, 2008
Réalisé par Mamoru Oshii (Avalon, Jin-Roh)
Genre : Animation

Synopsis – Dans un futur aux allures d'années 40, de jeunes soldats qui possèdent le pouvoir de ne pas vieillir sont enrôlés par des compagnies spécialisées et se livrent dans les airs une guerre sans merci.

Critique – Créateur génial de Ghost in the Shell et Avalon, Mamoru Oshii propose avec The Sky Crawlers un regard singulier sur les rapports humains au sein de conflits armés. Le tout orchestré par Kenji Kawai, compositeur phare de l'animation japonaise.

The Sky Crawlers offre avant tout un univers graphique à la fois riche et cohérent, solidement ancré dans des références proches de la Seconde Guerre Mondiale, dans lequel évoluent des personnages au dessin plus souple. En particulier, les combats et les appareils avec lesquels ils sont menés font l'objet d'un soin remarquable.

Les Kildren, ces jeunes soldats qui ne vieillissent pas, cachent derrière leurs traits adolescents une expérience amère de leurs vols. Machines à tuer formatées par des compagnies qui jouent à la guerre pour se rappeler le prix de la paix, ils semblent ne plus être capables d'émotions.

Pourtant, les thèmes exploités par Mamoru Oshii, bien plus faciles à appréhender si l'on connait bien son œuvre, manquent de profondeur à l'écran. La réalisation paraît insuffisante à combler l'ambition d'un projet qui pose de nombreuses questions sur le sens du monde et les valeurs humaines, bien au-delà de la façade belliqueuse. Au spectateur, s'il le souhaite, d'en chercher les réponses.

Japon, 1972
Titre original : Kozure Ôkami : Kowokashi udekashi tsukamatsuru
Réalisé par Kenji Misumi
Avec : Tomisaburo Wakayama, Fumio Watanabe
Genre : Action

Synopsis – Exécuteur officiel du Shogun, Itto Ogami est chassé par des samouraïs envieux de son poste, et qui assassinent sa femme. Errant sur les routes avec son jeune fils, il n'a pas perdu espoir de venger l'affront.

Critique – A bien des égards, ce premier volet de la retentissante saga Baby Cart réunit les meilleurs ingrédients du film de sabre, qu'il renouvelle et sublime à la fois.

A l'origine était le manga, dont le long métrage va tirer toute sa puissance visuelle, canalisée dans une image chaude et précise. Au début des années 70, la couleur s'impose dans le cinéma d'action japonais, mais le pari demeure périlleux face au contraste du noir et blanc. Kenji Misumi s'appuie ici sur des alternances d'ombres et de lumière pour composer un panorama dynamique réussi.

Un soin tout particulier est apporté aux combats, d'un réalisme et d'une vivacité remarquables, encore aujourd'hui. Les affrontements rendent hommage au maniement du sabre aussi bien qu'aux qualités stratégiques des adversaires.

Incontestablement, le personnage d'Itto Ogami, glacial exécuteur devenu rônin, guerrier déchu mais animé d'une implacable volonté, donne au film toute son envergure. Tomisaburo Wakayama, frère du non moins célèbre héros de la saga Zatoichi, Shintaro Katsu, à qui il emprunte pour l'occasion le flegme et la nonchalance, campe un père qui mêle rude apparence et sensibilité voilée.

La présence de l'enfant apporte une valeur ajoutée notable par rapport aux précédentes réalisations du genre. Objet d'attentions maternelles spontanées et d'incessantes curiosités, le petit Daigoro assiste sans en comprendre le sens à la fureur du monde qui l'entoure.

Japon, 2008
Titre original : Akiresu to kame
De et avec Takeshi Kitano (Violent Cop, Sonatine, Hana-Bi, Battle Royale, Takeshis')
Avec Kanako Iguchi (Casshern), Yurei Yanagi (Hana-Bi)
Genre : Comédie dramatique

Synopsis – Fils d'un mécène et encore tout jeune enfant, Machisu Kuramochi se laisse convaincre qu'il a du talent. Les années passent, et sa conviction se renforce : il sera peintre, c'est sûr. La réussite n'est pas au rendez-vous, mais Machisu persiste.

Critique – Plus connu en Europe pour ses films de yakuzas, Takeshi Kitano sait aussi s'engager dans des œuvres touchantes et personnelles. Avec ses allures de conte moderne, Achille et la Tortue met en scène les difficultés d'un peintre à la poursuite du succès.

Tout part d'une fugace étincelle qu'un marchand d'art opportuniste va provoquer dans l'esprit innocent du jeune Machisu. En voyant en lui une graine d'artiste, il le condamne déjà à en devenir un, ou à n'être pas. Machisu est cet enfant solitaire et moqué, qui trouve refuge dans la reproduction colorée d'un monde qui ne l'accepte pas, et dont il est si difficile de respecter les codes invisibles.

Résolu à vivre pour sa peinture, Machisu est pourtant incapable d'en tirer un revenu décent. Une femme, toutefois, dans son malheur, le comprendra et l'accompagnera. Leur persévérance aveugle à tous deux fait sourire autant qu'elle navre. Il faut parfois plus qu'un béret sur la tête et un pinceau à la main pour entrer au panthéon des artistes.

Bien sûr, Achille et la Tortue est, aussi, à voir comme une mise en abyme de Kitano lui-même. Le peintre en mal d'inspiration est comme le scénariste devant la page blanche, comme l'acteur qui, devant la caméra, ne trouve pas l'expression qu'il veut offrir au spectateur.

Ici, Kitano livre une œuvre aussi singulière que sont fades les pâles copies de Machisu. Dans Achille et la Tortue, Kitano fait-il pour autant l'apologie du talent et du succès (dont un personnage bien avisé ne manquera pas de souligner la différence) ? Pas si sûr, car Machisu, qui toute sa vie aura couru après son Graal personnel, l'aura finalement passée avec pour moteur un objectif inépuisable.

En quête perpétuelle d'un devenir qui n'arrive pas, jamais il ne se sera ennuyé. Ce n'est pas d'attraper la tortue dont Achille doit se soucier, mais de goûter à la richesse de sa course. Et paradoxalement, de souhaiter qu'elle soit la plus longue possible...